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書法，講究天人合一。
有些傳世之作，往往便是在這樣的狀態下誕生的。一代書家，有些代表之作，讓他第二次再來寫一遍，就沒有原先的感覺了。諸如顏真卿的《祭侄文稿》，那是在有多悲痛的情況下所寫的？
這種情感的醞釀、宣洩，天、地、人，三者合一，只有這麼一回。
《蘭亭集序》，便是在曲水流觴，蘭亭賦詩，這樣的歡快場景下應運而生。就連王羲之本人，在那日之後，再也無法達到蘭亭集序這樣的神助之作，將此作品視為珍寶。
可想而知，這幅作品，是有多麼難能可貴。
鐘嶽看著演化而來的場景，轉身入室，準備創作了。那人還算是有點良心，給鐘嶽帶來的是雲母熟宣。如果是普通的生宣，鐘嶽估計得抓狂了。工筆山水畫，太注重細節，如果用生宣，顏料暈染開，整幅畫就作廢了。
這幅畫，鐘嶽並不是打算用寫生的方式，現在意義上的寫生，其實是從西洋畫法之中借鑒而來，以至於現在的國畫技法，也變相地注重寫生了。
然而古代並沒有如今定義上的寫生技巧。很多畫作的誕生，或是在行舟途中而畫，或是在家中而畫，靠得不是眼前看到的景，靠的是什麼？
心中有山壑。
這便是國畫的精髓了。畫作的誕生，是人與自然精神的交流，而非視覺上的感官記錄。
為什麼總是稱國畫為寫意畫，就是因為國畫蘊含的，就是文人的精神，是意志的載體，所以才稱之為寫意畫。
畫室之中，稍有人進來。由於還沒開學，並沒有作品要上交，大多數學生還享受著暑期的尾巴，偶爾過來湊熱鬧的同學，看到窗角那畔的大桌前站著的鐘嶽，先是一愣，繼而露出一副憐憫之色，搖頭嘆氣，呢喃自語道：“又是個不怕死的啊……”
鐘嶽已經開始拿一支小毫，開始作畫了。
山水畫之中，可以有人物嗎？
自然可以，然而山水畫中的人物，又與人物畫中不同，講究的是一個意象。
或許寥寥兩筆帶過，你甚至可能看不清此人的五官面貌，身形體態，然而代入到此畫之中，你卻能詫異地發現，你居然有了情感上的體悟。
這便是大家手筆了。
西方畫派，更注重技法，然而國畫，所有的技法，所有的色彩，都是服務於同一主旨。
那便是意向。
一幅畫，你到底要表達什麼？
是隱逸閑適，還是心中憤懣，亦或是歡快自得，等等，這就是國畫的精髓了。
鐘嶽的線條，蘊含了神人九勢的筆法。對于山水草木，更加是得心應手。紙上的線條，即使是未成畫像，都能感覺到，這幾筆，到底是在畫什麼。
流水潺潺。
墨韻之中，鐘嶽的筆法不斷變換。
水是無相的，卻最能夠從中看出氣勢來。
曲水流暢，鐘嶽筆下的水，不急不緩，似乎恰好就是這樣一個速度，能夠讓承載酒杯的荷葉慢慢漂流，在文人雅士之間橫生妙趣。
如果這時候有現當代國畫大師站在一旁，定然會覺得鐘嶽驚為天人。
用筆如此老辣，以至於整幅作品還未填色，便已經氣勢顯露。
屋外不知道什麼時候起，已經雷聲隆隆，一場狂風暴雨，在醞釀著。
鐘嶽放下筆。
走過去將日光燈開啟，準備上色了。
這幅作品，鐘嶽將尺幅侷限得很小，要在一個小時內完成畫作，如果尺幅放得很大，上色就要耗去很大精力。
蘭亭本來就不大，何必多此一舉？
鐘嶽這幅畫作，僅僅一個扇面的大小。
